domingo, 22 de noviembre de 2020

ODISEA FINAL

 

En el año 1968, Stanley Kubrik sorprendió al mundo con una intrigante y desconcertante película de ciencia ficción con la que rompió todos los esquemas y estereotipos del género, posicionándola en la categoría de cine de culto y probablemente la mejor y más profunda de las películas de este género. Fue necesario un libro escrito posteriormente por Arthur C. Clarke para desvelar muchos de los enigmas que en este filme se planteaban. 

La película está planteada bajo los pensamientos del filósofo Fiedrich Nietzsche y su idea del “Super Hombre”. Representa el fin de la humanidad vertebrada por la técnica dando lugar al amanecer del hombre (ser humano) de algo distinto. El ser humano es la transición del animal a super hombre.

En la escena final de la película, aparece un feto que representa al “Super Hombre” observando el planeta Tierra como un ser superior a cualquier especie.

Kubrik imaginó esto en 1968 como algo que ocurriría en el año 2001, transcurre el año 2020 y podemos asegurar que la realidad es bien distinta, el ser humano no solo no es el ser supremo de Nietzsche, sino que además se ha convertido en su peor enemigo y en el de todo el planeta.


No puedo verlo de otra manera, ese feto humano que observa al mundo con el máximo control lo veo más bien "ENCAJADO" en una mísera e inmunda alcantarilla cobijado en un angosto pozo muy lejos de lo que vaticinó en gran director de cine.

Este cuadro está expuesto en mi exposición "ENCAJADOS" en Popular Libros en Albacete del 12 de noviembre al 5 de diciembre de 2020.

miércoles, 21 de octubre de 2020

¿ QUÉ ES ENCAJADOS ?

Reducción formal


Como diseñador gráfico, tiendo a buscar la síntesis de la forma en cualquiera de mis trabajos. “La línea”, en ocasiones extrema, y las “superficies planas de color”, recuerdan a las imágenes corporativas que precisamente por su simplicidad, aspiran a convertirse en iconos inolvidables.
Bebí desde muy adentro de la delirante movida madrileña mezclando el diseño, el arte y la música, compartiendo inquietudes con otros que me enriquecían con sus propuestas innovadoras y atrevidas, pasando interminables horas entre el dibujo y el local de ensayo.
El humor gráfico, el cómic, e incluso la publicidad creativa, han sido referentes que me han inspirado a la hora de afrontar retos tanto de diseño como artísticos, buscando un acercamiento popular y desenfadado para contar esas historias que suceden en nuestra vida cotidiana y que nos afectan de verdad. ¿Puede esto denominarse Pop Art?, no sé, quizá.

Encajados


Desde el preciso momento en que somos concebidos, comenzamos a ocupar un angosto y reducido espacio adaptándonos a él con una contorsión casi imposible. Cuando llega el momento del alumbramiento, la cosa empeora, tenemos que salir a la vida a través de un espacio mucho más reducido, resultando casi traumático.
Pronto comienzan a embutirnos en antinaturales trajes, pañales, cunas y demás artilugios que no hacen más que presagiar cómo será nuestra larga vida de aprietos y encajes.
Pero no solo vamos a estar encajados físicamente, también lo estaremos psicológicamente. Vivimos en un mundo automatizado, estamos sometidos a la dictadura informática que nos obliga a rellenar infinitos formularios que no permiten la más mínima licencia, cualquier coma o cifra que no coincida escrupulosamente, será motivo de anulación y vuelta a empezar.
De toda esta reflexión nace el primer encajado. El premio recibido en el “Festival de las Artes Rendibú 18” en Murcia fue el germen de todo el material de esta exposición.

Anaglíficamente encajados


El siguiente progreso nace al querer trasladar la idea de encajados al volumen. Sin perder la característica de las dos dimensiones, la única forma posible era convertir las imágenes en anaglifos. Se trata de una ilusión óptica mediante imágenes en dos dimensiones capaz de provocar un efecto tridimensional cuando se ven con lentes especiales. Con este sistema se refuerza más la sensación claustrofóbica de encaje.




Encajado cúbico


La idea de una pieza tridimensional sin perder las dos dimensiones acabó materializándose en forma de paper toy o recortable. Uniendo el dibujo desplegado por sus aristas se obtiene un cubo y por lo tanto, una pieza escultórica.



viernes, 12 de julio de 2019

El Beso del Adiós

Esta obra forma parte de una serie de trabajos que estoy realizando en la línea de “encajados”, personajes que quedan atrapados en espacios angostos y claustrofóbicos.

El cuadro es un homenaje a la famosa imagen de la portada de la revista Rolling Stone que se ha convertido en un icono del siglo XX y la mejor portada de esta revista en los últimos 40 años. 



Annie Leibovitz (Waterbury, Connecticut, 2 de octubre de 1949) fotógrafa estadounidense, realizó una sesión fotográfica de la que saldría esta fantástica imagen. En principio, la idea era que posasen los dos desnudos, algo bastante frecuente en la pareja, pero en el último momento, Yoko Ono decidió salir vestida. Probablemente, esta decisión fue lo que hizo que esta escena adquiriese una fuerza mucho más poderosa que la que se pretendía en principio; la gran estrella universal del rock se mostraba totalmente entregado y desnudo besando a una altanera Yoko Ono. 

Cuando terminaron la sesión y teniendo en cuenta que en esa época no existían las cámara digitales, quedaron con Annie Leibovitz para ver las fotografías y entre los tres, elegir la que sería portada de la revista. La desgracia quiso que John Lennon encontrara la muerte en ese intervalo de tiempo y que jamás llegase a ver el resultado de la sesión fotográfica.

De alguna manera, ese beso que daba John Lennon a Yoko Ono de forma pública, se convirtió en el último, en “El beso del adiós”.


domingo, 9 de septiembre de 2018

CÓMIC POÉTICO



Hace algunos años que tenía en mente realizar un pequeño experimento, algo que rondaba en mi cabeza y que me atraía mucho. Preparaba los guiones y bocetos para mi libro de cómics “URBE 39.00 N 1.52 O” y pensé en incluir este experimento. No fue así, la verdad es no tenía cabida en el contexto y lo dejé enfriar.

La idea era incluir de alguna manera una poesía en un cómic. No sabía muy bien cómo hacerlo. Primero pensé en ilustrar lo que cuenta el poeta fielmente; luego pensé en añadir poesía visual de forma paralela al poema. No estaba nada claro. La idea se fue enfriando terminando en mi baúl de cosas chulas que en cualquier momento brotan de nuevo y generalmente con más intensidad.

Hace unos meses, y gracias a Facebook, contacté con una antigua amiga de Madrid, Yolanda. Descubrí su afición a la poesía. Me gustaba mucho su forma de escribir. Una poesía en prosa muy potente en la que se reflejaba mucha sinceridad y sentimiento. En seguida busqué en mi baúl de cosas chulas que en cualquier momento brotan de nuevo y le propuse que colaborase conmigo para realizar el experimento comiquero. No tardó ni dos minutos en mostrar el tipo de mujer que es: ilusionada, temperamental, sincera, humilde… Me mandó una poesía que me encantó y que me atrapó desde el primer momento. Era un poema muy profundo y bello. Se sinceró conmigo y comentó que era algo muy íntimo y de mucha importancia emocional para ella, esto hizo que me derritiera y justificó de antemano el esfuerzo que supondría hacer este cómic.

Tocaba decidir cómo sería el cómic. Al final tiré por el camino más difícil y complejo: contar una historia de ciencia ficción fusinándola con la poesía romántica y triste de Yolanda.



No tenía muy claro en qué iba a consistir el guión, y para ser sinceros, estuve en más de una ocasión tentado de cambiar lo de la ciencia ficción por otro tema.

Las cosas vienen normalmente de la forma más inesperada, en este caso no hubo excepción. Paseando por Youtube, vi un vídeo del famoso tema de David Bowie “Space Oddity” y se hizo la luz. Un comienzo magistral de la canción sobre la conversación con un astronauta a punto de partir al espacio y la cuenta atrás que se escucha de fondo… ¡ahí estaba! La canción se apoderó de mi mente y no dejaba de sonar haciéndome esclavo de ella; machacando mi cerebro hasta que la idea tomó forma y me puse a escribir y a bocetar.

Mi estilo de hacer cómic es en mi opinión interesante ya que me permite incluir muchas disciplinas artísticas que incluyen; la fotografía, el diseño en 3D, el dibujo, etc. Además, permite la experiencia de trabajar con lo que yo denomino actores. Solo faltaba la modelo para ser la protagonista de esta aventura. Lucía me cuadraba y mostró la misma ilusión que Yolanda. Ya estaba hecho el triángulo.

El resultado me ha llenado muchísimo. La mezcla de los sentimientos de tres personas, cada una con sus motivaciones y expectativas plasmadas en un mismo trabajo. Pero aún quedaba por ver si a Yolanda y a Lucía les parecía bien. La respuesta de las dos ha sido espectacular, han logrado que me emocione, su esfuerzo se ha unido al mío y sus sueños se han hecho realidad al igual que mis sueños.

Y este es el resultado. Podréis verlo mejor en mi página wb.


domingo, 20 de mayo de 2018

Rendibú de mis amores


Corría el año 2010 cuando cayó en mis manos un periódico local: La Verdad de Albacete. Por aquel entonces existían otros dos más, aunque uno de ellos no merece ser nombrado. El otro diario que podría haber cogido era La Tribuna, pero el destino quiso que fuera La Verdad y por medio de un anuncio, quien me descubriera la existencia de Rendibú, por aquel entonces denominado “concurso de artes multimedia”.

Hacía pocos días que terminé un experimento basado en un cómic, “El Símbolo”, que por cierto fue premiado en San Andrés del Rabanedo en León. El experimento consistía en mostrar un cómic en modo vídeo, pero no se trataba de una animación, la idea era hacer un vídeo-cómic en el que las viñetas iban a aparecer por orden, de forma progresiva, de esta manera estaba dotado del suspense producido por no saber que viene a continuación. La música remató la ambientación que necesitaba una historia de gangsters y asesinatos.

Presenté el vídeo en la categoría de videoarte y resulté finalista con otros 9 concursantes que según pude constatar en internet, se trataba de cineastas y profesionales de productos multimedia.

En el 2012 volví a probar suerte pero la fortuna no me quiso acompañar, en esta ocasión me presenté en el apartado de “cartel”.

Este año 2018 me pareció adecuado para volver a intentarlo, el apartado de “ilustración” me seducía mucho, e igual que sucedió en 2010, había realizado recientemente algunos trabajos de ilustración con una temática muy concreta y minimalista: “Encajados”, una comedura de coco bestial sobre lo claustrofóbico de determinadas situaciones tanto físicas como mentales sobre espacios reducidos y asfixiantes protocolos de nuestra vida cotidiana.



De nuevo finalista, solo quedaba esperar con emoción y cierto nerviosismo a la fiesta habitual de Rendibú en la que se muestran todas la obras seleccionadas y se procede a la gala de entrega de premios amenizada con actuaciones de grupos de rock. ¿Ganaría por fin este preciado concurso con un jurado compuesto por críticos de arte expertos en arte y galeristas de prestigio?








¡Bingo! Después de una agónica espera ante la incertidumbre de quién sería el ganador, eso sí, disfrutando a la vez de esa maravilla de fiesta habitual que organiza Rendibú cargada de sorpresas tremendamente creativas, llegó la hora de saber quiénes serían los nuevos ganadores.


Debo reconocer que durante la fiesta y viendo el nivel de asistentes, montaje espectacular, obras presentadas, etc., mis ánimos iban decreciendo y empecé a verme pequeñito e insignificante cuando después de una broma que terminó de rematarme con aquello de: “el ganador es….Pedroooo, por lo de Almodobar, pude escuchar mi nombre. Salté como un resorte y sin apenas poder sujetar mis piernas, bendita flojera, descendí de las grada al escenario para recoger el ansiado premio. 



En definitiva, estoy contentísimo y por supuesto muy agradecido a Rendibú por este premio. Que sepan que participaré siempre que considere que tengo algo que compartir y por supuesto, que me llene.

lunes, 23 de abril de 2018

CUANDO LA PUBLICIDAD TIENE RUEDAS

Publicidad Móvil 

Este medio publicitario se viene utilizando desde que nació el concepto de imagen corporativa. Las empresas que necesitaban transportar sus productos, utilizaban medios de transporte como furgonetas o camiones, además de identifi­car el vehículo con el nombre de la marca se vio la posibilidad de hacer extensible su imagen de marca en un medio que además de cumplir la función de transporte, llevase la imagen de la empresa al exterior y en continuo movimiento.

La oportunidad que brinda este medio es la misma que cualquier cartel pero con el valor añadido de la movilidad, es en definitiva un cartel que multiplica infinitamente su función y además con un coste mucho más reducido.


El paso de ser un simple representante de la marca a ser un apoyo publicitario en el que se pueden incluir auténticas campañas gráficas y visuales, es sin duda de gran importancia por su dinamismo y eficacia. En la actualidad, rara es la empresa que no incluye en su manual de identidad corporativa las aplicaciones de imagen para su flota de vehículos. Los medios de impresión digital y de corte de vinilo, hacen que este medio sea vivo y diná­mico pudiendo ser readaptado un vehículo en muy poco tiempo para distintas campañas.



Coca-Cola

Todos los años, cuando se acerca la Navidad, Coca-Cola pone en las carreteras alemanas su flota de camiones rojos con adornos navideños. El tour navideño pasa cada año por sesenta ciudades alemanas, pero para empezar la gira, se celebrar un desfile de camiones en grandes ciudades alemanas.

Quienes visitan los camiones en sus distintas paradas en el TruckParade pueden hacer una gira virtual por Alemania y llevársela en DVD. Además, Coca-Cola organiza el salón de regalos de Santa Claus, donde los visitantes pueden hacer a mano sus propios regalos.

Este evento está vinculado a la campaña benéfica “Haz el bien para que el mundo brille”, por la que Coca-Cola asiste a niños necesitados. Al entrar en la página web Coke.de, se accede a un mapa de Google Maps en el que los usuarios pueden poner luces y adornos navideños virtuales a las casas.

Una vez más, Coca-Cola pone de manifiesto que su publicidad es absolutamente corporativa e intenta llamar la atención para no perder el posicionamiento en la mente del consumidor. La política de publicidad de esta empresa es siempre espectante y nunca deja de observar a su competencia directa Pepsi-Cola.

La campaña de los camiones suele estar apoyada por más medios publicitarios por lo que siempre es un acontecimien­to poder ver en directo un camión de Coca-Cola con los espectaculares adornos que le caracterizan.


Oscar Mayer


Setenta y cinco años han pasado desde que el primer Oscar Mayer Weinermobile circulara por las calles de América. Un vehículo convertido en perrito caliente, que con el paso del tiempo se ha convertido en uno de los coches más emblemáticos del mundo publicitario.”

El Wienermobile fue creado en 1936 por el sobrino de Oscar, Carl G. Mayer con un chasis especialmente diseñado para la ocasión. Un vehículo pensado para promover los productos Oscar Mayer y que se con­virtió en uno de los primeros vehículos creados como reclamo publicitario.

En la actualidad existen siete Wienermobiles en el mundo y hay una larga lista de aspirantes para convertirse en “hotdogger”, es decir en conductores de este singular perrito caliente.

En la actualidad, los nuevos Wienermobiles están equipados de dispositivo de navegación GPS con una voz especial, un centro de sonido con un micrófono inalámbrico, y una bocina que reproduce la canción “Wiener” en 21 tipos de música diferentes.

Esperemos que DUREX no tenga la misma idea.






lunes, 2 de abril de 2018

DOS PORTADAS DE DISCOS QUE ME MARCARON

Los Beatles tienen en su haber gran cantidad de portadas que quedan en la memoria de todo el mundo por su innovación, originalidad y buen hacer.


Desde el punto de vista de la portada y su contenido principal, la ilustración , me quedo con dos de ellas que sin duda, aún hoy me conmueven cuando las veo.

REVOLVER

Se trata de un gran disco de 1966 en el que confluyen muchas cosas que hacen de este álbum una auténtica joya. Experimentaron con efectos sonoros que teniendo en cuenta el año en que se publicó, época en la que no existían los avances informáticos de que se dispone en la actualidad, lograron sonidos que resultaron ser absolutamente revolucionarios. Mezclaron instrumentos clásicos con arreglos impresionantes utilizando un octeto de cuerda en “Eleanor Rigby” o el hipnótico sonido del sitar, instrumento típico de la India.

En cuanto a la portada, es una mezcla formidable de ilustración en línea fina y clara mezclado con fotografías recortadas, sin Photoshop, por supuesto, la tijera era la herramienta principal junto con el pegamento y la plumilla.

El diseñador era un viejo amigo de los Beatles de la época de Hamburgo, Klaus Worman, bajista alemán. Teniendo en cuenta sus 52 añitos, pues eso, no me quito el sombreo porque no tengo pero le hago una profunda y merecida reverencia.


YELLOW SUBMARINE

Se trata de una portada del álbum perteneciente a la película de animación “Yellow Submarine” de 1969 que influyó notablemente en la estética pop de aquellos años. El creador es el ilustrador alemán Heinz Edelman. Creó todo un mundo de fantasía para poder realizar esta película. ¡Impresionante!

lunes, 12 de marzo de 2018

AMBIENT MEDIA. COMO LLAMAR LA ATENCIÓN A LO BESTIA

La gran cantidad de ruido publicitario y la saturación de publicidad en infinidad de medios unido al alto precio que no siempre garantiza la eficacia de las acciones publicitarias, han llevado al anunciante a buscar formas creativas e impac­tantes de realizar las campañas publicitarias de un modo espectacular en lugares imprevistos o de forma poco usual. El precio de estas campañas es muchísimo menor que el de otros medios y la cantidad de impactos por parte del público objetivo, es prácticamente del 100%.

Este tipo de publicidad también fomenta el marketing viral ya que siempre genera comentarios entre el público objeti­vo al ser tan impactantes.




McDonald’s

Esta es una campaña muy original de McDonald’s utilizando las líneas de los pasos de peatones para transformarlas en las tradicionales patatas del restaurante.

Supongo que este tipo de publicidad debe de encontrar dificultades legales dependiendo del país en que se realice. Un conductor debe de conocer las normas de circulación y los símbolos que se utili­zan para regular el tráfico, y que yo sepa, el paso de peatones está definido por unas normas en su forma de representarlo. En un posible atropello en uno de los “pasos de peatones de McDonald’s”, ¿Podría alegar el conductor no entender esa novedosa for­ma de indicar el paso de peatones en un juicio?

De todas formas, esta campaña se realizó en Sui­za, este es un país bastante peculiar y posiblemente no le den demasiada importancia a estos asuntos. Lo que realmente produjo algo de crítica fuera del país, fue el hecho de que la marca imponga una comida basura a todo el mundo aún estando en contra de ella en un lugar de uso público y obligatorio, pero insisto, en Suiza ni se lo plantean.

Esta campaña fue realizada en el año 2010 a través de la agencia TBWA/ Zurich.


Agencia: TBWA Switzerland                                   

Directores de arte: Michael Kathe, Martin Friedlin 

Copywriter: Michael Kathe                                     

Director de arte: Dominique Magnusson                 

Account Manager: Guido Zehnder                            













Responsible Young Drivers

Otro ejemplo de aprovechamiento de los pasos de cebra como elemento de concienciación fue esta acción desarro­llada por TBWA/Paris. El mensaje es tan escalofriante como la imagen: “Cada año, 7.000 peatones mueren en Europa. Piensa en ello cuando estés conduciendo”. Muy del estilo de las campañas de la DGT en España.

La imagen que se refleja en las rayas del paso de peatones, son fundas de plástico en las que normalmente se introdu­cen los cadáveres de víctimas de accidentes de tráfico en las que se aprecia el volumen de los cuerpos introducidos en ellas.

Los colores en esta ocasión no crean ningún tipo de confusión a los conductores que desde el vehículo posiblemente ni aprecien el contenido de la publicidad al contrario que los peatones.



Título: “Don’t Drink and Drive” 

Agencia: TBWA\PARIS

Ciudad: Boulogne-Billancourt

Campaña: Don’t Drink and Drive

Anunciante: Responsible Young Drivers Association

Fotógrafos: Marc Gouby/Bruno Comtesse

Equipo creativo: Erik Vervroegen,Alain Jalabert,Thierry Buriez




viernes, 2 de marzo de 2018

BOFETADAS PUBLICITARIAS

PUBLICIDAD DE GUERRILLA

Con la publicidad de guerrilla se trata de conseguir con muy poco dinero una publicidad original y de captar la atención del consumidor saturado de impactos publicitarios de todo tipo. Este tipo de publicidad pretende ser lo más transgresora posible y es ideal para pymes que se encuentran en clara desventaja económica frente a grandes empresas.

Lo directo de estos mensajes hace que se pueda seleccionar de forma muy concreta el sector al que se pretende captar.

Lógicamente, este tipo de marketing genera una publicidad viral que refuerza aún más el efecto de las campañas rea­lizadas con este procedimiento. Igualmente y cuando la campaña tiene connotaciones transgresoras, su impacto puede llegar a ser del interés de los medios de información con lo que la polémica que pueda generar incrementará el efecto comunicativo.



Superette

Esta marca de ropa y complementos realizó una campaña realmente sorprendente en la que utilizaba a los viandantes como soporte publicitario.

Consistía en poner unas placas metálicas en bancos de la calle en relieve y en negativo para que cuando una persona con minifalda o pantalón corto se sentase sobre ellas, se produjeran las marcas sonrojadas típicas sobre la piel pero en forma de letrero.

En principio parece muy difícil que esto pueda suceder y mucho menos de forma casual. El fenómeno consistía en que al entender los jóvenes la intención de marcar la piel, ellos mismos se producían estas marcas para mostrarse unos a otros los resultados de dicho enrojecimiento. Una vez se consigue esto, la bola de nieve hace su papel y el proceso viral
se encarga del resto
.


    Cliente : Superette                                 

    Agencia : DDB Auckland                     

    País : New Zealand                               

    Director dr cuentas : Jenny Travers     

    Director ejecutivo : Toby Talbot           

    Director creativo : Regan Grafton       

    Creativo : Damian Galvin                     

    Creativo : Rory Mckechnie                   

    Director de proyecto : Andy Robilliard   




Massad

La revista especializada en pornografía sadomasoquista de Holanda, decidió llevar al extremo la fórmula de Superette en un contexto mucho más transgresor.

Apoyándose en una práctica sadomasoquista, el spanking o azotes que llegan a dejar marcas sonrojadas normalmente en el trasero, pensaron en construir un juguete sexual para dar azotes que contuviera la marca de la revista el relieve y en negativo, produciendo al golpear el efecto deseado en las nalgas.

Para este fin, se organizaron una serie de fiestas en las que participaba una actriz porno conocida dentro de ese ambiente, Sofía Valentine. Sofía lució el logotipo sobre ella misma y después imprimió de esta forma tan peculiar con el mencionado artilugio, el logotipo de la revista en las nalgas de voluntarios.

Aunque este tipo de publicidad es más bien raro (en los dos sentidos de la palabra), hay que admitir que es totalmente adecuado para su target. Esta campaña muestra lo sectorizada que puede llegar a ser este tipo de publicidad.


    Marca: MASSAD                              

    Producto: Massad Magazine             

    Agencia: New Message                   

    País: Países Bajos                             

    Categoría: Publicaciones, Revistas   

    Emitido en: Febrero 2009                   



jueves, 1 de marzo de 2018

Alpunto_4. ALBACETE SE INUNDA DE DISEÑO

Hace ya seis años que comenzaron a realizarse las jornadas de diseño Alpunto en Albacete.


La escuela de arte de Albacete es la encargada de deleitarnos cada dos años con este acontecimiento. Como diseñador gráfico que soy, debo dar las gracias a todo el equipo organizador por llevar a cabo esta iniciativa que como ya indiqué en otro artículo, son imprescindibles para la formación continua de los profesionales y alumnos que nos dedicamos a esto. Siempre he invertido tiempo y dinero en asistir a conferencias de este tipo y es de agradecer y mucho, que se realicen estas actividades en Albacete y además, gratis.



PUNTO DE ENCUENTRO

Nada más enterarme de las fechas de Alpunto-4, envié un WhatsApp a mi amigo, colega y en ocasiones socio Alberto para preguntarle si asistiría este año a las jornadas, no tardó ni cinco minutos en responder y se quería apuntar absolutamente a todo. Rápidamente comenzamos a contactar con otros amigos para aprovechar la ocasión y vernos. Esta es justamente la esencia, profesionales de esta locura que nos apasiona que se juntan y se cuentan experiencias, alegrías y sinsabores en un ambiente ideal en el que volveremos a ver a antiguos colegas y profesores de la escuela mientras criticamos, constructivamente por supuesto, las distintas ponencias.



GRAN VARIEDAD

Cuando una persona se dedica al diseño gráfico, como es mi caso, es inevitable que le interesen distintas disciplinas del diseño, desde fotografía, pasando por interiorismo, escaparatismo, etc. La escuela abarca todas estas materias en su oferta formativa y por lo tanto, las ponencias van en este sentido. 

alpunto_1. Isidro Ferrer.
alpunto_1. Joaquín Reyes.






SUS TALLERES

Además de las conferencias, se imparten talleres de no menos interés, cuando supe del taller que va a impartir Hugo Afonso, arquitecto y profesor de la escuela de arte, no dudé en reservar una plaza para aprender de su experiencia en el mundo del escaparatismo y tener el placer de volver a saludarle, por supuesto Alberto, ya sabéis, mi amigo, se apuntó también.



DIGNO DE ALABANZA

Me imagino que organizar algo así, debe de ser extenuante. Hacer que todo el programa funcione, contactar con patrocinadores, conferenciantes, salas para los eventos, etc., etc., etc., se me antoja épico.

Ánimo, de verdad que vale la pena, todo ese esfuerzo que depositáis de un modo tan altruista es de agradecer y demuestra que una escuela no solo cumple la función de formar a profesionales, debe de fomentar el uso del diseño a empresas y que confíen en el trabajo de los profesionales. Alpunto no es mal camino.

lunes, 22 de enero de 2018

¿QUIÉN ES EL GUARDIÁN DE LA MARCA DE TU EMPRESA?


Nada más crear la marca gráfica de tu empresa, es imprescindible que la protejas y defiendas. ¿Quién debe velar por ella?

¿Qué es un "guardián de la marca o brand guardian"?

Suena extraño, pero no, los guardianes de las marcas existen y son imprescindibles para velar por su buen uso y vigilar que la marca no se deteriore con el paso del tiempo al ser utilizada por distintos oficios.

Cuando una empresa encarga una acción en la que hay que utilizar la marca gráfica, es muy posible que, si no hay un control, el operario de turno haga una intervención sobre ella, por ejemplo, para encajarla en un determinado espacio y el operario tome la decisión de alterar sus propiedades. Esto no es nada bueno y es nuestra obligación controlarlo.

El guardián de la marca tiene que ser alguien que conozca a fondo las peculiaridades gráficas del logotipo o símbolo y poder tener criterio a la hora de determinar si el uso es correcto o no. Este cometido se puede asignar a una empresa externa o bien a un empleado de la firma, depende de muchos factores y es necesario sopesar bien quién será el encargado de este trabajo. Si se toma la decisión de externalizarlo, es interesante que sea el propio diseñador que creó la marca quien lo realice, nadie conocerá mejor los usos correctos.

El manual de identidad corporativa. Un buen aliado.

El diseño de una marca gráfica, no se limita únicamente al logotipo o símbolo en cualquiera de sus estilos, ha de crearse todo un mundo de utilidades y versiones de la marca para que pueda comportarse adecuadamente en diferentes situaciones y necesidades. Es por este motivo por el que se diseña un manual de identidad corporativa. En este manual, quedan reflejadas todas las normas de uso para su correcta utilización, nunca se podrá hacer una acción sobre ella que no esté contemplada en el manual, y si es precisa una acción puntual, será la empresa la encargada de facilitar la solución oportuna.



Imagen corporativa de TOLTEC. Sistemas deprotección solar

¿Cual es el cometido del guardián de la marca?

Imaginemos que una empresa necesita realizar varias intervenciones en las que es necesario utilizar la marca gráfica: un toldo para la fachada, papelería comercial, un tríptico para un producto y la rotulación de parque móvil de la empresa. Cada uno de estos trabajos se ha de encargar a una empresa distinta y utilizarán la marca de acuerdo con las necesidades. Cada uno de los profesionales que manipulan la marca, harán lo posible para editarla y conseguir el tipo de archivo informático necesario: vectorizado, mapa de bits, jpg, tiff, pdf, cmyk, rgb, etc. y ahí es donde empiezan los problemas, si el profesional no dispone de las indicaciones y los archivos prediseñados, hará lo que estime correcto y os puedo asegurar por propia experiencia, que casi nunca es el idóneo.


El guardián de la marca, filtrará todas las intervenciones que se realicen en imagen.


Antes de iniciar cualquier acción, el guardián de la marca se pondrá en contacto con cada uno de ellos y según estos le indiquen, procederá a suministrar lo más correcto según dicte el manual de identidad corporativa.

Cuando surge un uso puntual que no ha sido reflejado en el manual, tendrá que ponerse en contacto con el diseñador de la marca, y será quien busque la solución más adecuada en cada caso.

Una vez terminados los trabajos, será el mismo guardián de la maraca quien se encargue de supervisar la correcta utilización del logotipo o símbolo y de que se ciñe a lo establecido en las normas del manual. En caso de un mal uso, deberá ser rechazado de inmediato.




En definitiva, cualquier empresa, sea grande o pequeña, de un tipo o de otro, o con mucha o poca facturación, es imprescindible que cuide y mime a su marca.



domingo, 22 de marzo de 2015

DULCES DISEÑOS

Hace unos años, conocí a una chica en la Escuela de Arte de Albacete. En la vida en general, venimos conociendo a todo tipo de personas, unas nos caen mejor que otras y en ocasiones, percibimos a unas y otras según las circunstancias. Hay veces en que a primera vista tenemos una percepción bastante aproximada a la realidad y en otras nos podemos equivocar estrepitosamente y hacer un juicio injusto, es decir, de primeras, una persona nos puede parecer muy borde y con el trato descubrir todo lo contrario, posiblemente esa primera imagen sea un escudo que forma para afrontarse a la sociedad y que luego poco apoco se va desarmando enseñándonos la verdadera cara de su personalidad.
Leti es transparente y muy fácil de contactar con ella. Desde el principio vi en ella a una buena chica y un toque creativo tímido pero latente.
Siguió su camino pero gracias a dios, seguimos teniendo un cierto contacto a través de las redes sociales, de vez en cuando me pide algún consejo profesional, creo que captó en mi simpatía hacia ella y así se lo hice entender, me tendría siempre que lo necesitase.
Facebook es una red social absolutamente cotilla y nos muestra acciones cotidianas de quienes tenemos como amigos y sin tener un contacto regular ni diario, es posible estar al día en las cosas que hace y de las que realmente disfruta. El otro día sin ir más lejos, veo un post de Leti en Facebook en el que aparece una tarta preciosa, al principio pensé que compartía una imagen de alguna web, blog o algo relacionado con repostería, posiblemente de algún cocinero de estos mediáticos a los que nos tienen tan acostumbrados en televisión. La factura de esta tarta era realmente creativa y escrupulosamente tratada. Leí un poco los comentarios y empecé a entender que la tarta fue realizada por mi amiga Leti, la creativa que quiere enfocar su vida en el mundo del diseño gráfico, sacó su vena artística plasmada en un lenguaje que aunque distinto, no deja de ser un medio más para expresarse artísticamente, la repostería.
Rápidamente vi es esto la posibilidad de mezclar la publicidad y la mismísima imagen corporativa para empresas con este tema de las tartas. Tartas tuneadas y adaptadas a temas concretos para eventos empresariales. ¡¿Por qué no?!
Igual algún día preciso del buen hacer de Leti.




jueves, 5 de febrero de 2015

DISEÑO EN LAS AULAS

El pasado día 28 de enero, di una charla sobre diseño de imagen corporativa y cartelería en el instituto de educación secundaria les Amparo Sanz de Albacete.
El motivo era, que están en un proyecto para fomentar la lectura  junto a otros institutos de España. Como actividad dentro de este evento, tienen pensado desarrollar un logotipo y un cartel anunciando este acontecimiento, creo que me comentaron que lo presentarían a concurso.
El motivo de invitarme a dar la charla, era fomentar la percepción del diseño gráfico y darles a entender la importancia que la imagen corporativa tiene en nuestros días tanto a nivel de empresa como institucional y eso hice, les conté un poquito de historia y origen de las marcar así como unas cuantas nociones para una buena factura en este campo.
Se trataba de casi 170 chicos de tercero y cuarto de ESO y sinceramente, en un salón totalmente abarrotado y sin megafonía, no tuve ningún problema en hacerme escuchar. Hay que tener en cuenta el tema a tratar, de vez en cuando era inevitable que comentasen los carteles y que se riesen cuando les contaba alguna anécdota. Enseguida volvían al orden y atendían con gran interés y curiosidad a mis palabras.


En estos institutos los jóvenes reciben una cultura y un saber que determinará en un futuro a que se quieren dedicar y el camino a tomar en sus estudios superiores para formarse en las diferente profesiones, y como no, más de uno tiende a lo artístico y es a los que más se les notaba el interés. Ya son varias las charlas que he dado sobre diseño y he aprendido a leer en los ojos de los asistentes el gusanillo que algunos tienen en este tema tan apasionante.
Tuve la oportunidad de, además de ofrecer un nutrido repaso por los carteles y certelistas más importantes de la historia, de enseñar los míos no sin antes pedir perdón después de que viesen los de esos maestros que tanto nos inspiran a los simples mortales. Creo que me aprobaron.

Desde aquí me gustaría dar las gracias a la dirección del centro y a Rosario Felipe Molina, profesora del centro y licenciada en bellas artes por contar conmigo para este proyecto. Quiero hacer mención de todos los profesores a los que me presentaron, me pareció un equipo especialmente amable dándome una acogida, de verdad, increíble.

martes, 15 de julio de 2014

NEOALBACETE

no hizo más  que entrar en el vagón y le vinieron a la memoria infinidad de días de metro en Madrid, cuando usar este medio de transporte era algo imprescindible  en su vida.
Los viajes desde Ciudad Lineal a Moncloa se convirtieron en un buen motivo para leer, eran muchas horas perdidas en un trayecto inevitable. Casi podría asegurar que los primeros bocetos  y cálculos de su máquina del tiempo surgieron al son del hipnótico sonido de las traviesas. Las mismas situaciones, las mismas caras de las personas que como zombis, repetían rutinariamente los mismos gestos y los mismos movimientos. Ahora era en su ciudad, Albacete, quién lo iba a decir, metro en Albacete.
Su inquietud y ansia de conocer su nueva situación no tardó en sacarle de sus cavilaciones. Necesitaba ver más cosas del mundo futuro, política, deportes, ¿Subiría por fin el Alba a primera?
Cada una de las estaciones que veía le parecía un milagro, Menéndez Pidal, San Pablo, era algo irreal y que para más desconcierto, estaban llenas de enormes carteles de U2 anunciando su próxima actuación en la plaza de toros. ¿Qué edad podrían tener ahora?

De pronto se percató de que una chica al fondo del vagón, iba leyendo un periódico; sería cuestión de acercarse y asomarse con sigilo por encima del hombro para ver alguna noticia interesante. – Me voy a sentar con la del periódico a ver si leo  como anda el mundo–.Y comenzó a andar torpemente tambaleándose con el movimiento del tren.


               Del libro: "URBE 39.00 N  1.520 O". Neoalbacete.




domingo, 18 de mayo de 2014

COLORES QUE MARCAN

Nací en Madrid porque hay que nacer en algún sitio y viví allí toda mi infancia y adolescencia hasta cumplir los 33. Todo este tiempo, forja una forma de entender la vida y da forma a tu modo de ver las cosas dependiendo de los acontecimientos que van grabando en tu personalidad las alegrías y las penas, lo bueno y lo malo y en definitiva, todo lo que te hace ser mejor o peor que los demás.
Fernando Mora, antigua calle del Gallo, esquina con la Vía Carpetana, antigua Avenida de las Ánimas, es donde viví todos esos años. La Vía Carpetana, nace justo en el Hospital Militar Gómez Ulla, junto al metro de Carabanchel y termina en el río Manzanares, lugar en el que se alza el imponente pero coqueto estadio Vicente Calderón.
La forma de llegar al Calderón desde Carabanchel y otros barrios del sur como Aluche y pueblos cercanos como Móstoles, Fuenlabrada, Leganés, etc. es recorriendo la Vía Carpetana pasando a mitad de recorrido por mi casa y por la Ermita del Santo, la de San Isidro que es el patrón de esta ciudad.
Testigo de infinidad de fines de semana en los que el Atlético jugaba en casa sus partidos le liga, cuando la hinchada rojiblanca  desfilaba en sus seat 124, los renault 8, y poco más ya que entonces habían muy pocas marcas y contados modelos de coche, ondeando sus banderas bicolor y haciéndose notar tocando insistentemente el claxon con gritos de "aúpa atleti".
Los bares eran testigos de infinitas discusiones entre seguidores del Madrid y del Atlético bajo las dos fotos de la alineación de ambos equipos que de forma diplomática colgaban los dueños de lo bares para que ningún aficionado se sintiera mal y decidiera marcharse la bar de al lado a tomarse su sol y sombra  y encender su Farias unos momentos antes del partido.
En mi mente se fueron marcando esos colores rojo y blando en forma de rayas. No se, eran más simpáticos y menos estirados que los del Real, siempre se decía que era el equipo del obrero. Posiblemente sentía empatía por el más débil.
No soy aficionado al denominado deporte rey, de hecho, no entiendo prácticamente nada de fútbol, pero siento una gran afinidad a esos colores y  su espíritu y eso que no faltó empeño por parte de mi tío Rodolfo en hacerme hincha del equipo, algún año me hizo socio de esa santa casa y pude ver más de un partido con Gárate, Ufarte, Luis, Rodri y yo que se cuantos jugadores que han hecho historia en este equipo.
Cada triunfo del equipo, se saboreaba de una forma muy especial entre los aficionados, si es cierto que se sufre mucho siendo del Atlético, pero también es cierto que tienen un gran palmarés en sus vitrinas y aunque de forma muy espaciada en el tiempo, van cayendo para regocijo de Neptuno que de vez en cuando se une a la celebración.
Posiblemente sea esta una forma un tanto rebuscada de meter en este blog dedicado al diseño el triunfo del Atlético de Madrid pero realmente, el poder de los colores y de los escudos, que no dejan de ser logotipos, es muy fuerte y como cualquier diseño gráfico y acción de branding, socava en nuestra mente hasta hacerlo parte de nosotros.
Hoy recuerdo a mi hermano Ramiro. Era un aficionado incondicional de su Atlético. Vivió esos colores como el que más y me gustaría pensar que de alguna manera sigue sintiéndolos.

martes, 18 de marzo de 2014

ALPUNTO-2. ¡UN PUNTAZO!


Hace ya unos cuantos años, asistía regularmente al Meeteng & Select que se celebraba durante la feria Viscom Sign España. Se trataba de una jornada muy interesante en la que se planteaban ocho ponencias sobre diseño gráfico. El nivel de las ponencias era muy alto con personalidades en el mundo del diseño como Javier Mariscal, Roberto Turégano, Alberto Corazón, Isidro Ferrer, etc.

Para alguien que se dedica o que se quiere dedicar al diseño gráfico, es imprescindible la asistencia e este tipo de eventos, así como ferias, exposiciones, lectura de revistas especializadas y en definitiva, cualquier fuente de aprendizaje y de cultivo referido al diseño, ya no solo gráfico sino de cualquier tipo.

Solo había un pero y es que reunir a estas personas no suele ser barato y menos cuando se celebra en un recinto que impone unas tarifas bastante abultadas a los organizadores repercutiendo en el precio de la entrada, 130 € concretamente el último año que asistí. No digo que no valga la pena invertir ese dinero en algo que te aporta muchísimo, es sencillamente que no se encuentra al alcance de muchísimas personas a las que seguro les interesaría asistir a estos acontecimientos.

Los días 26, 27 y 28 de marzo, se van a celebrar en Albacete las segundas jornadas de imagen y diseño, promovidas por la Escuela de Arte de Albacete.

Tras el éxito de las que ase realizaron hace dos años, son bienales, han decidido seguir organizándolas y poniendo toda la carne en el asador para que tengan una calidad a la altura de las circunstancias.
Lejos de cobrar los 130 € mencionados, las ponencias de ALPUNTO 2 son completamente gratuitas. Creo que es una ocasión única para asistir a un evento que puede enriquecer mucho tanto a estudiante como profesionales del diseño.

Animo a todo el mundo a asistir a estas ponencias, son clases magistrales venidas de profesionales con experiencia y nos acercan a la realidad laboral y como plantean su vida artística y profesional al mundo del diseño.

Creo que es bueno que la Escuela de Arte de Albacete tenga este tipo de iniciativas que de alguna manera difunden la cultura de diseño en nuestra ciudad y espero que el empresario se contagie de todo esto y comprenda la necesidad que tienen sus empresas del uso del diseño gráfico realizado por profesionales.

Durante las últimas cuatro semanas, he estado realizando unas ponencias de diseño de imagen corporativa con motivo de de la celebración del 10º aniversario de una empresa de fabricación de sistemas de protección solar, TOLTEC. Coincidiendo con esto, la empresa ha realizado unos cursos de formación técnico comercial para sus clientes. Me pidieron realizar una presentación sobre el origen de su marca y el proceso creativo que seguí para su realización. Comprendí que era una buena ocasión para difundir la necesidad que tienen los empresarios de consumir diseño.

Muchas veces pienso que el empresario realmente no conoce la importancia de todo esto sencillamente porque nadie se lo ha explicado y he podido apreciar que cuando vieron mi presentación, en muchos de ellos comenzó a surgir el interés por mostrar su empresa mejor de lo que lo han hecho hasta ahora.

No olvidemos que el responsable de que existan empresas con buena imagen no es otro sino el propio empresario que decide contratar los servicios de diseñadores profesionales. El diseñador solo hace su trabajo y lo que se espera de el es que lo haga bien.

sábado, 22 de febrero de 2014

ESPÍRITU DE FERIA

Estoy viviendo un momento realmente dulce. No es que me haya comido una tarta, ni siquiera un pastel, es que he ganado uno de los concursos que más ilusión me hacía. Se trata nada menos que del cartel de la Feria de Albacete 2014.

Cuando uno se presenta a estas cosas, tiene que tener muy clara la dificultad que entraña y que es realmente difícil conseguirlo. Normalmente se presenta gente muy buena y que se ha dejado el alma realizando  lo mejor posible el diseño de su propuesta. Por esto precisamente es tan dulce la victoria, cuanto más complicado sea conseguir el premio, y más gente se presente, más gratificante resulta.

Mi trabajo es como cualquiera, generalmente bonito ya que el diseño gráfico lo es y aunque a veces resulta tedioso por las prisas o una apreciación molesta de algún cliente.

Que de repente te empiecen a hacer entrevistas en los medios informativos y tengas que acudir a diferente eventos, resulta abrumador a la vez que agradable. Bienvenido sea todo esto, profesionalmente es muy importante si sabes jugar tus cartas.

Chele, ya sabéis, es mi inseparable mascota que comparte conmigo los momentos más duros y complicados. Cuando me ve en pleno proceso creativo, le gusta tratar de intervenir en los diseños, no tiene ni idea pero la verdad es que de vez en cuando aporta algo fresco. Todo va bien hasta que se percata de que me voy a presentar a un concurso. Una especie de celo y de envicia se apoderan de él y se pone de un tontorrón que no hay quién le aguante.

Este cartel ha sufrido, como todos, muchos cambios y mejoras desde la primera idea hasta el resultado final que conocéis. Muchas veces son cosillas inapreciables y otras mucho más transcendentales. En este caso y por tratarse de un cartel minimalista y sencillo, los cambios son igualmente sutiles.

Chele es un poco violento e inmaduro y hay veces en las que se deja llevar por un instinto destructivo que si no fuese porque es un simple muñeco, la verdad es que pondría de patitas en la calle a su amistad.



Cuando tenía el cartel terminado en photoshop y solo quedaba generar el archivo de imprenta, abrí el documento y me encontré algo difícil de asimilar. Chele es una mascota tanto material como digital y por lo tanto tiene la capacidad de entrar en mi ordenador y en mis diseños de forma natural. Cuando abrí el programa y luego el diseño apareció con las manos en la masa este individuo impresentable haciendo un desaguisado de padre y muy señor mío con todos los elementos de la composición, desde tipografías pasando por las horquillas y destrozándolo todo. Me dieron ganas de hacer una pelota de plastilina con su cuerpo y lanzarla con fuerza contra la pared. Rápidamente fui haciendo Ctrl Z hasta restablecer el destrozo y dejar la composición del cartel totalmente restablecida y oculté la capa del maldito enano envidioso.

Estuve unos minutos mirando fijamente el monitor pensando en que hacer con Chele. Desbloqueé la capa y sin dejarle reaccionar la eliminé del diseño. Ya no podía confiar en el. Supongo que pasará el tiempo y que terminará arrepentido arrastrándose como un gusano y me pedirá perdón o por lo menos eso espero.

lunes, 23 de diciembre de 2013

ANTONIO EL SABIO



Llegaba al Museo Municipal de la plaza del Altozano en Albacete a eso de las diez de la mañana en un día especialmente frío y triste ya que tenía demasiado cercana la pérdida de mi hermano.

Con las dos manos ocupadas con el material necesario para pintar, me cruzaba el ascensor con Rosana, una chica de Cartegena y con Jesús, un antiguo compañero de la Diputación de Albacete. Subimos a la primera planta del museo y vimos un montón de caballetes apoyados en una pared y nos dispusimos a dejar todos los bártulos en el suelo. El comentario de los tres que llegamos primero fue el mismo, esa noche no pudimos dormir de los nervios, no todos los días conoces a un artista de la talla de Antonio López y mucho menos para darte un curso de pintura y arte.

Casi no nos dio tiempo a dejar el material en el suelo cuando escuchamos las voces de un grupo de cuatro personas que irrumpía en la planta y fue entonces cuando una figura menuda y muy sonriente se acercó a nosotros decididamente y nos dijo —Hola, qué tal estamos — Por supuesto no hizo falta que nos presentasen, se trataba del mismísimo Antonio López en persona quien dio dos besos a la chica y a nosotros nos dio un firme apretón de manos. Nos quedamos sin palabras, teníamos delante a toda una leyenda viva, al mejor pintor vivo de España, a alguien que sin duda formará parte de la historia del arte en nuestro país y en todo el mundo. El maestro notó nuestra reacción y nos regaló una gran carcajada que nos pareció sincera, normal, como la que daría cualquier persona nacida de madre.

Acompañado por Luis Mayo, pintor de renombre y profesor de la Complutense de Madrid para llevarle su agenda y ayudarle en talleres y montajes, se puso de inmediato a organizar el taller. En el centro de la sala había un pedestal en forma de cama con unos cojines que enseguida intuimos que era para la modelo. Ya estábamos todos los asistentes al taller y nos indicó que colocásemos los caballetes alrededor.

En distintos puntos de la sala, dispuso unos cajones de madera en los que fue colocando todo tipo de alimentos para crear los distintos bodegones. Esto ya era una lección, colocaba de una forma peculiar tanto flores como frutas, hortalizas y huesos de jamón, frutas y botellas de agua mineral, en definitiva, un montón de cosas de grotesco parentesco buscando combinaciones casi acrobáticas. Fue un auténtico lujo ayudar al maestro a colocar los distintos elementos donde nos indicaba, a desmontar y volver a montar de diferente forma las composiciones hasta llegar a un resultado sorprendente que jamás habríamos pensado nunca.

               

                             

Transcurrieron los cinco días en un constante ir y venir a los caballetes para dar indicaciones, corregir la mayor parte de las veces e incluso a desmontar completamente un cuadro para hacerte pintarlo de nuevo. No dábamos a basto, queríamos escuchas las correcciones que le hacía a casa alumno para aprender lo máximo posible y entre medias, los alumnos le llevaban trabajos que habían realizado durante su vida para escuchar sus críticas sinceras, en ese sentido no tenía piedad, lo que no le gustaba lo decía y lo que si también. De vez en cuando surgían charlas largas e intensas sobre arte y artistas, sobre la vida, sobre los sentimientos, y pudimos comprobar los altísimos conocimientos del maestro. Antonio López es un sabio, un saco de sabiduría abierto para quien le escucha.




Yo se perfectamente, y eso es bueno, que no tengo el talento suficiente para dedicarme al arte. Como Antonio López dice, no hay nada peor que equivocarte al creer que eres artista y dedicarte a ello, el zapatazo puede ser estrepitoso y terrible. Lo que si se es que soy diseñador gráfico y que un taller de este tipo me enriquece profundamente tanto profesional como humanamente. De todas formas me armé de valor y decidí enseñar al maestro mi libro de cómics "Urbe 39.00 N 1.52 O". Por supuesto le comenté que no se trataba de material pictórico y tras explicarle la técnica empleada y el trabajo con actores, le pedí su opinión en cuanto a composición y en definitiva de la parte artística del libro. Como siempre nos sorprendió a todos, detrás de un hombre de 78 años que se dedica a la pintura realista, vimos su capacidad crítica de cualquier tipo de manifestación artística y tuve la enorme suerte de gozar de su bendición. Le pareció un trabajo interesante y me expresó una gran admiración. —Que diga eso Antonio López...— Le comenté, a lo que respondió con una de sus peculiares carcajadas. La emoción se alojó en mi pecho y ese día fui incapaz de dar una sola pincelada y casi no comí. Lo siento, solo soy un simple mortal.

Cinco días con Antonio López y con veintiséis compañeros de diferentes nacionalidades son tan intensos, tan mágicos, tan interesantes que al terminar el taller sentía como si los conociese de mucho tiempo y al despedirme de ellos empecé a sentir cierta nostalgia.